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Non so quanti di noi possano dire di aver conosciu

Non so quanti di noi possano dire di aver conosciuto qualcuno che è stato all’inferno, né stabilire con certezza che cosa o quale luogo possa essere un inferno sulla terra.
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Uno di questi, ci ha raccontato il videomaker e documentarista Giuseppe Barile, si trova sotto le strade di Bucarest, nei canali del riscaldamento dove negli anni Novanta, dopo la caduta della dittatura di Ceaușescu, si riversarono decine di migliaia di bambini.
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Questi figli di nessuno erano frutto di un problema sistemico che ha afflitto la Romania per decenni. Dopo le misure antiabortiste del decreto del ‘66, atto ad aumentare la popolazione e di conseguenza la forza lavoro dello Stato socialista romeno, le donne dovettero fronteggiare una duplice emergenza. Oltre all’aumento degli aborti clandestini, che portavano spesso alla morte, i figli non voluti vennero abbandonati e internati in appositi istituti, che negli anni Novanta richiamarono l’attenzione popolare di tutta Europa per le condizioni atroci in cui i bambini versavano.
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Con la chiusura degli orfanotrofi e l’apertura della capitale, è a Bucarest che questi bambini e ragazzi si spostano, in cerca di una vita migliore. Si ritrovano tuttavia soli e senza nessun supporto da parte di organi competenti, a sopravvivere in strada cercando rifugio nei canali sotterranei.
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È in questo contesto che si sviluppa il documentario di Giuseppe Barile e Vittorio Delli Santi. In collaborazione con Save the Children, il LEO Club e l’associazione Parada, ha dato modo ai ragazzi di raccontare la loro storia senza filtri e senza strizzate d’occhi a narrazioni paternalistiche o in cerca di scandalo. Un paio di settimane fa abbiamo invitato Giuseppe per una chiacchierata dai regaz de @la_confraternita_dell_uva, e il dialogo che ne è uscito è stato uno scambio di rarissima umanità.
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Il link è come al solito in bio, e questa volta vi invitiamo più che mai a leggerlo. Non ve ne pentirete, promesso.

🌈 Oggi torniamo alla letteratura queer con uno

🌈 Oggi torniamo alla letteratura queer con uno dei capisaldi della letteratura ceca contemporanea: L’anno delle perle, della scrittrice Zuzana Brabcová, non solo è un eccellente romanzo intimista dagli echi postmoderni, ma anche un testo che va a riempire il grande vuoto della letteratura saffica, spesso oscurata dalla sua controparte maschile.
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Il romanzo si apre e si chiude con la protagonista Lucie in pezzi, ricoverata in un ospedale psichiatrico, a incorniciare il suo anno d’amore con la ventiquattrenne Magda. Gran parte della narrazione, in bilico tra sogno, realtà e deliquio depressivo, viene dedicata alla necessità di Lucie di decostruire il suo intero bagaglio di esperienze e il suo desiderio, così da poter trovare se stessa nel gioco di specchi di ruoli femminili standardizzati e aspettative sociali.
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Oltre al tema dell’eterosessualità obbligata, quel pensiero eterosessuale che per Monique Wittig corrisponde a un contratto sociale al quale le lesbiche non intendono sottostare, nel romanzo ritroviamo molti topoi tipici dell’autrice: la salute mentale, il linguaggio poetico, la struttura frammentaria.
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Brabcová, morta nel 2015, è stata una degli autori più amati della sua generazione. I suoi scritti hanno ricevuto numerosi premi e la lode della critica, dal suo primo romanzo, Daleko od stromu, edito in samizdat nel 1984 fino al suo ultimo lavoro, Voliéry.
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È però con L’anno delle perle che è riuscita a ritagliarsi uno spazio nel cuore della memoria collettiva ceca. Pur non essendo il primo testo su una relazione tra due donne nella letteratura nazionale, il romanzo ha la rarissima capacità di offrire lo spaccato di una visione femminile appassionata, complessa e universale oltre l’elemento amoroso.
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Sebbene infatti il testo abbia la fama di essere innanzitutto un romanzo d’amore, l’autrice stessa ha rivelato in un’intervista con Jaroslav Rudiš che il libro non era da intendersi direttamente in termini omoerotici. Ciò che le premeva trasmettere erano la crudezza dei sentimenti, il realismo della vicenda e, non meno importante, il linguaggio sperimentale, suggestivo e incalzante, che riesce a regalare al lettore un’esperienza autentica e intensa.

Col tempo abbiamo imparato a riconoscere la vera p

Col tempo abbiamo imparato a riconoscere la vera poesia. Il più delle volte è quella che sfugge alle pagine di critica, incapace di affacciarsi all’arte chiudendo gli occhi del metodo, invece di cercarla nella cultura popolare.
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Ciò vale specialmente per la poesia russa, che ancora oggi ha una fruizione prevalentemente orale e non scritta. Se siete stati a Mosca o in altre zone della Russia lo saprete già: è praticamente impossibile non imbattersi per strada in attori che recitano poesie su richiesta dei passanti. I più richiesti sono solitamente Majakovskij e Esenin, ma non mancano anche altri poeti.
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In Russia i loro versi sono stati anche musicati, entrando ancora di più nella quotidianità delle persone. Ebbene, questo accade perché i poeti, quelli veri, scrivono per gli altri e, se non lo fanno volontariamente, raccontano comunque storie e vissuti per i quali proviamo una forte familiarità.
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Questo è il caso di Boris Ryžij, un poeta contemporaneo amatissimo dai russi. Dalla critica viene spesso dipinto come un outsider, un reietto incapace di adattarsi alla realtà e che si ripara in un mondo alternativo da lui creato, ma a parer mio ciò non è vero - o almeno non del tutto. Testimone della sua fama è la risonanza che Ryžij ha avuto fra le persone comuni, soprattutto giovani. Persino noi italiani, a volte inconsapevolmente, ci ritroviamo a recitare le sue poesie mentre cantiamo le canzoni dei Molchat Doma.
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Ryžij percepiva l'esistenza con sensibilità acuta, fiutando quel velo di artificiosità che comanda le nostre esistenze. Eppure le sue parole rimangono collegate al flusso della vita, che traspare nel viavai del poeta da un tram all'altro. Nei suoi componimenti affronta il disorientamento della sua generazione, l'estraneità di un mondo che sembra essere diventato un teatro di marionette.
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Se avete vissuto in Russia anche per un breve periodo, vi lascerà sconcertati il senso di familiarità che proverete per la malinconia e la fragilità degli ambienti in cui Ryžij si muove. Se invece non siete stati in Russia e volete una conoscenza autentica della vita che lì si conduce, leggete Boris Ryžij e lasciate che sia il suo intuito a guidarvi.

Sono molti i momenti storici in cui il ruolo della

Sono molti i momenti storici in cui il ruolo della poesia è stato messo in discussione a suon di botte. Quando Czesław Miłosz si rifugiò in Francia per evitare di sacrificare la propria poesia al realismo socialista, trovò ad accoglierlo Pablo Neruda, che prese a definirlo "l'uomo che scappa".
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Neruda condannò la scelta di Miłosz senza conoscere la realtà da cui il suo collega proveniva, quella dell'Est Europa, rivelando quell'atteggiamento tipico dell'intellettuale occidentale del tempo, che vedeva nella realizzazione di un sistema comunista il ritorno a una mitica età dell'oro. Neruda non viveva nella realtà, ma affermava una presunta conoscenza del mondo tramite letture e ideologie prefabbricate e masticate in frizzanti salotti parigini, ben distanti dalla miseria -e dal cuore- del genere umano. Così, Miłosz assestò un bel colpo al poeta cileno attraverso questo commento:
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“Gli credo, quando scrive della miseria del suo popolo, e lo apprezzo per il suo grande cuore.
Dal momento che Neruda scrive pensieri sui suoi fratelli e non su di sé, viene premiato con il potere della parola. Tuttavia, quando contrappone la follia del mondo capitalista alla felice e gioiosa vita del popolo dell’Unione Sovietica, smetto di credergli. Gli credo finché scrive di ciò che conosce lui. Smetto di credere quando inizia a scrivere di ciò che conosco io. Un comunista occidentale ha bisogno di una visione di un’epoca d’oro già realizzata sulla Terra. Il Murti-bingista dell’Est fa tutti gli sforzi possibili per aggiustare questa visione nei pensieri, ma non dimentica che è un’utile menzogna.”
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La dichiarazione di Miłosz ha provocato uno squarcio profondo nel pensiero letterario collettivo: la bugia non può essere il luogo in cui la letteratura costruisce il suo nido. È invece dallo scontro con la realtà, intesa come conoscenza del mondo, che la poesia e la letteratura devono prendere forma. Neruda era un uomo che creava attraverso la finzione delle parole, Miłosz era un uomo le cui parole avevano origine dalla realtà dell'esistenza.
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Se siete o non siete d'accordo con noi non fa nulla: non vediamo l'ora di fare (amichevolmente) a botte nei commenti qui sotto.

Tamara de Lempicka (1898-1980), all’anagrafe pol

Tamara de Lempicka (1898-1980), all’anagrafe polacca Maria Gurwik-Górska, è stata un’esponente iconica della corrente ai più nota come Art Déco. Lo pseudonimo venne adottato durante il periodo parigino, grazie anche al matrimonio con l’avvocato Tadeusz Łempicki, parente del poeta romantico Cyprian Norwid.
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C’è da precisare che l’Art Déco non fu il solo raggio d’azione in cui si mosse la pittrice, la quale, tra alti e bassi e in periodi differenti della sua vita, immerse ugualmente la sua forma tanto nelle tinte tipiche del decadentismo, quanto in quelle dell’astrattismo.
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Nel caso dell’artista, è lecito servirsi della parola “mito” per la vita condotta e il continuo interesse che ruota attorno al suo personaggio, senza dubbio singolare. Ad alimentare il mito ed il mistero, v’è poi senza dubbio l’erotismo che traspare non solo dalle sue opere, ma anche dalla sua stessa persona. Quella di Tamara è una figura caratterizzata da un’intensa sensualità: basti pensare ad esempio alle continue avances avanzatele da Gabriele D’Annunzio o ai continui pettegolezzi riguardo le sue relazioni e la sua bisessualità.
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In Tamara, infine, troviamo una forte personalità legata a quella che è la transizione verso un nuovo periodo storico, ovvero, utilizzando le parole di Hobsbawm, verso quello da noi conosciuto come “secolo breve”, dove la “modernità” è padrona. Da questo intreccio di fattori nasce la sua arte, un’arte intrigante ma al contempo ancora non compresa appieno.
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Per avvalorare la precedente affermazione, occorre far riferimento alla recente critica di Waldemar Januszczak, critico britannico contemporaneo, che, proprio in una dichiarazione sui movimenti del periodo, si scagliò velenosamente (e in maniera alquanto opinabile) contro la pittrice polacca, definendola non soltanto una persona superficiale e senza valori, ma anche una deturpatrice del canone artistico di quell’epoca.
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Le parole di Januszczak, come anche la critica positiva e il successo postumo, lasciano ben immaginare l’oggettiva influenza dell’artista in primis sulla sua epoca, nonché su quella che noi oggi consideriamo “modernità”, essendo ancora motivo di fascino e di dibattito.

Ah, Freud. L’uomo che parlava dell’uscire dal

Ah, Freud. L’uomo che parlava dell’uscire dal complesso edipico per poi passare alla storia come il padre della psicanalisi. L’uomo che non aveva previsto un ritorno così radicale del termine daddy.
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Non parleremo di stigma e salute mentale sia perché siamo in ritardo per la giornata, sia perché usare Freud come esempio è riduttivo e assolutamente fuorviante, visto che il suo approccio si inserisce nell’eccessiva medicalizzazione e nel fallologocentrismo che fuori dalla Vienna borghese lascia il tempo che trova. Semplicemente, ripescando le foto di un mio vecchio viaggio in Austria ho ritrovato queste piccole perle che volevo condividere con voi.
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La Vienna fin de siècle mi è molto cara, così come la decostruzione della sua decadenza nelle opere letterarie e, perché no, anche filosofiche. Era la seconda volta che visitavo Vienna, e sapevo di voler fare assolutamente un salto a casa di Freud, un po’ per curiosità un po’ per pellegrinaggio laico (pur essendo team Jung).
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La casa-museo di Freud si trova nel suo vecchio studio in Berggasse, vicino alla Votivkirche e a pochi passi dal Danubio. Purtroppo, al momento della visita era piena di turisti e ho potuto fare pochissime foto. A sostegno della mia personale teoria antropologica per cui tutti gli studiosi di psicologia sono un po’ dei fricchettoni, l’appartamento era pieno di cimeli e artefatti da ogni parte del mondo: statue africane, porcellane asiatiche, souvenir dall’Oceania, reperti preistorici e tanti, tanti riferimenti all’uso di droghe tanto care a Freud, cocaina in primis.
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Il percorso interattivo e l’esperienza museale sono ben strutturate, da un ottimo servizio di audioguide a un racconto più che esaustivo della vita di Sigmund e delle esperienze lavorative di lui e della sua famiglia, con particolare attenzione alla carriera della figlia Anna, psicanalista anch’ella. L’unico problema, ahimè, è come ho già detto lo spazio, con i mobili (giustamente) transennati e fin troppo ridotto per la moltitudine di turisti.
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La chicca che mi sentirei personalmente di consigliarvi, però, è il negozio del museo.
(Continua nei commenti)